鋼琴演奏論文精選(九篇)

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第1篇：鋼琴演奏論文范文

關鍵詞：鋼琴演奏手腕技巧

在彈奏每一組音或每一個樂句時，需要來自手腕的重量補充，重量補充的多少，都是由樂曲的內容和風格所決定，它要隨著樂句力度色彩的變化而變化。伴隨著旋律的變化，重量補充越敏銳，演奏就越能豐滿而鮮明。音樂中由于力度的變化是連續不斷的，通常需要提供重量補充的就是把較大的樂句或片段以腕為軸自上而下統一起來進行彈奏，而不要將重量淤塞于手腕、手腕的某個部位，手腕的重量或多或少都能通過手指而全部送入琴鍵，彈奏出或豐滿淳厚或清新悅耳的聲音。

手腕在彈奏中的狀態和作用是多種多樣的，其動作方式以上下和左右兩種為主。其中有些是手腕獨立完成的，比如力度較小的跳音、斷奏的雙音、和弦等.有些是以腕關節為主、控制手部的上下左右動作，比如較強的跳音和斷奏雙音、和弦等，以及左右移動的音階、琶音、音程較大的震音等。還有一些是和手臂結合起來的動作，這一動作方式多存在于較近距離、較快速度地在琴鍵上移動手位，是以手腕為主，帶動手臂的弧線運動。

一、手腕要有彈性

彈性可從兩個方面來認識，一方面是對手部上下動作的控制，即在手腕持平、前臂穩固不動的狀態下，靈巧自如地抬起手掌、隨后又自然地將高出手腕的手掌和手指向下彈去，這其中就包括手腕的彈性。比如手腕非連奏，即利用手腕靈巧的上下運動、運用手的自然重量、奏出比肘部非連奏靈活、富有彈性的柔和聲音。

在鋼琴演奏中，我們常會發現這樣一種狀態:手指輕放琴鍵上，手腕放松，彈奏的動作是腕部猛然地彈射而起，在同一瞬間，手指觸鍵并同時被彈射出去，即琴鍵對手的反彈力。利用手腕的反彈力奏法，能解決許多聲音不集中和手腕不放松的問題，尤其是相對孤立又很強的跳音，不管是單音還是和弦，利用好這種反彈力，會有震撼心魄的藝術效果，同時又能很好地使腕部得到及時的調節。

二、手腕能快速轉動

轉動即手腕的腕關節轉動，要求手型、小臂穩定、以腕關節為發力點、做腕部本身的左右轉動，類似“搖撥郎鼓”，這種持續、松弛的反復動作，此外，分裂八度的某些練習也用到了手腕的轉動。

轉指、跨指時，雖然手指做主動“拐彎”和“跨躍”動作，但若沒有手腕的積極配合及手腕靈動、自如的左右轉動，轉指、跨指的動作則不會順利完成。所以手腕靈巧的轉動機能會使所有的音階、琶音、快速樂句、華彩樂段更流暢，讓長氣息的旋律既平穩又富有動感。

三、手腕要有瞬間的爆發力

在彈奏雙音、八度、和弦、以及在需要強化觸鍵深度的時候，手腕完全需要它本身的爆發力量，以及在極短的時間內以最小的動作幅度將力量最大限度集中的能力。腕關節在瞬間要承受巨大的重力，承受自小臂以上，乃至全身的身體重量，這些力量在觸鍵的一剎那都要經手指指端注入琴鍵，這時腕關節呈高度集中的堅固和穩定的狀態，絲毫的松散，都會使力量散失，達不到手指指端，無法彈出集中、有力的強音。不少人在彈奏連奏的雙音、和弦、尤其是八度時，整個身體和手臂都處于極不自然的僵硬狀態。其根本原因，是手腕本身缺乏鍛煉，缺乏對腕關節支撐的訓練。

四、手腕要有靈活的調節能力

手腕在彈奏前的動作狀態也會影響手指的觸鍵，進而改變聲音的效果。比如快撥、慢抹、輕碰這三種觸鍵方式。

對于斷奏來說，統一動作的作用與連奏是一樣的，在音階的彈奏中，統一動作的作用尤為明顯。各個音區的音階都是以長句或短句的形式存在于音樂當中的，如果在彈奏時因音域的擴展而不斷重新配置新的彈奏動作，會破壞音階或長樂句聲音的均勻和統一，使音階融合成為一個完整的音樂整體，才有可能達到均勻和良好的音響。

來自腕部的重量必須隨音樂的變化做細微的處理，使腕部的力量暢通無阻地傳遞下來。因此腕的狀態永遠是自如、隨意、下沉的感覺。當然在實際彈奏中，特別是在強奏時，腕部也會有瞬間的高度集中、高度凝聚的時刻，只不過這個瞬間極為短促，極為迅捷，像“閃電”一樣將力量傳遞向下調節做出新的彈奏動作。“閃電”之后，腕部即刻要恢復自如、隨意的常態。

在鋼琴彈奏中。每一個動作都不是孤立的，它們彼此聯系.又相互制約，需要我們在平時的練習中，去完成每一次發音，身體的整體配合動作的協調性需要長期演練，也完全由動作的特點所制約。手腕的技巧的利用直接關系到手指，只要掌握了手腕力量和技巧，手指的技巧也就自然的得到了應有的提高，彈奏出一首出色的曲子就不是一件難事了，當然這些都離不開不平的摸索。手腕動作的柔軟和堅挺是和所需要的聲音有直接的關系。某種動作肯定是跟某種聲音效果結合在一起的，因此不能以不變應萬變，達到演奏技巧的真正提高。

參考文獻：

第2篇：鋼琴演奏論文范文

關鍵詞：放松勢斷意相連人琴合一

太極“萬物生生而變化無窮焉，唯人也得其秀而靈。”鋼琴被人們稱作“樂器之王”，它是樂器王冠上的一顆明珠，而太極以其深、長、勻、靜而囊括世間萬物，筆者試想把太極理論運用到鋼琴演奏之中，使鋼琴演奏也能做到剛柔、虛實、動靜、快慢、開合、曲伸，讓人聽不出有“涂改”“雕刻”的感覺。這樣在鋼琴演奏中就要在“放松”中去舒展，激發人們對樂曲的充分想象力；太極的“勢斷意相連”，是“勢斷”而非斷，斷而不斷，用意貫穿于演奏的全過程并充分展示鋼琴演奏中的優雅變化；人與鋼琴隨著樂曲的展開融為一體，太極的境界使樂曲能夠雄渾、鏗鏘、遠古、悠揚，讓人們沉浸在鋼琴音樂的王國之中。

一、太極的“放松”與鋼琴演奏中的舒展

太極中的“放松”講的是自然舒展地放開，松中有動，動中有靜。演奏者要把緊張的狀態松弛下來，達到放松，演奏出的樂曲才能更加舒展優美。其一，要做到思想和肢體的放松。思想上要去除雜念，忘掉與演奏無關的事情，無論是一場什么樣的音樂演奏，演奏者都應在思想上有一個放松意識，這樣才能保持一種良好的競技狀態。其二，舒展是鋼琴演奏的要求，無論是演奏西洋曲目還是中國曲目都應特別強調這一點。舒展能使音樂之美浸潤心靈，能使人充分發揮想象力，激發人們對美好未來不懈追求的熱情。如演奏中國曲目《山丹丹開花紅艷艷》時，最后的主題再現，只有做到舒展才能營造人們對美好未來的憧憬。其三，舒展與放松是緊密相連的，是在放松中的自然舒展。旅美鋼琴博士茅為惠女士來講學時，就非常強調這一點。她在示范快速音群的演奏時，特別強調手臂、手腕的自然放松與舒展，只有這樣才能使音符清晰、明快。

二、太極的“勢斷意相連”在鋼琴演奏中的變化

太極中“勢”指的是趨向，“意”指的是想象。在太極中“大勢”好像要結束，但更深層次的想象與哲理往往還貫穿于“大勢”之中，這如同鋼琴演奏中的氣質和氣韻，它們是音樂演奏中的靈魂。其一，氣質是演奏者個人的性格與品質的自然流露與必然反映，猶如“字如其人”“曲如其人”“樂如其人”。演奏一首樂曲，最終要把氣貫通，開始往往句斷意亦斷，音分神亦分，也就是勢斷意也斷，但如果能把太極中的意識、呼吸、動作三者結合為一，經過一段時間的練習，在意念中逐步使音樂真正連貫，隨之做到句斷意不斷，音分神不分，最后達到一氣呵成、一氣貫通。其二，氣韻是鋼琴演奏詮釋的過程，要想很好地把握氣韻的全過程，就要深刻領會作曲家的用意。如貝多芬第六交響曲《田園》F大調共五樂章，第一樂章表現的是到鄉村時的愉受；第二樂章表現的是溪畔小景；第三樂章表現的是鄉民在一起歡樂的集會；第四樂章表現的是暴風雨的情景；第五樂章表現的是暴風雨過后的愉快和感恩的情緒。如果領會透徹，就能很好把握氣韻在鋼琴演奏中的表現。其三，氣、韻本為二義，氣為內質，韻為表征，韻由氣所決定，氣貫而后可以韻足。我們要把握好氣與韻的關系，有氣之韻如同零散的珍珠串起來的項鏈，演奏者呼吸貫通一體，沒有半點銜接拼湊的痕跡，而無氣之韻就像散落的珍珠，無法串為一體。如在演奏李斯特的《夜鶯》時，我們就要在大的樂句中劃分小的樂句，在延綿的呼吸群中，使氣息首尾貫穿，演奏出的樂曲才能有起伏變化的效果。演奏貝多芬奏鳴曲時，在大和弦和連接中可換踏板又可不換的時候，在最后幾個音符中，采用碎踏板的方法，使呼吸均勻、流暢，達到優美、動聽的效果。

三、太極的境界給“人琴合一”的啟迪

《易·系辭上》有云：“易有太極，是生兩儀，兩儀生四象，四象生八卦。”這里的“太極”是派生萬物的本原，本原生萬物，萬物合一，天人合一，乃太極的境界。“人琴合一”是人琴回歸自然，人琴尋找其物質本原的過程，而鋼琴演奏的完美境界就是“人琴合一”。首先，“人琴合一”是思想的合一。人是演奏的主體，鋼琴是發音的客體，發音客體由人去控制。鋼琴演奏家不僅要掌握演奏鋼琴的技術和技巧，更重要的是要有深層次的文化底蘊和文化內涵。一個優秀的鋼琴演奏家，不僅僅要具備豐富的音樂知識，還應當掌握一些哲學、人文科學，甚至是自然科學知識。其次，“人琴合一”是藝術的合一。任何藝術都是表現人類情感的，而鋼琴作為最具表現情感的樂器之一，它能陶冶人類的情操，激發人們無窮的想象力和對生活的熱愛，以及對美好未來的不懈追求。鋼琴對人的情感作用，是其他藝術形式無法比擬的，它可以直接利用張弛變化的音響形式與生命運動產生同構效應，去表達人的瞬息萬變的情感狀態。再次，“人琴合一”是情緒的合一。所謂情緒就是演奏者在演奏中的情感狀態，沒有情感，也就達不到“人琴合一”的效果。如在演奏貝多芬第五交響曲（《命運交響曲》c小調）中段時，要用明朗勝利的旋律，去表現歡樂、喜悅的氣氛。在處理最后的樂章時，用的是勝利凱旋的進行曲，要用飽滿的鋼琴演奏，使這一主題具有英雄的光輝。演奏者要充分了解作曲的時代和樂曲的內涵，才能完美表達作曲者的情感。每一次鋼琴演奏都是對人心靈的一次洗禮，音樂從人的心靈深處出發，從琴弦的振動中得到震撼，讓人回味無窮。

藝術來源于生活，鋼琴演奏也一樣。只有深入地體會生活、感受生活，我們才能與作曲家產生共鳴，再度創作作品，創作出的音樂才能在演奏者與聽眾之間產生共鳴，產生天籟之音，讓人們沉浸在鋼琴音樂的王國之中。

參考文獻：

[1]趙曉生著《鋼琴演奏之道》湖南教育出版社，1997年7月，第32—41頁，第119—121頁。

第3篇：鋼琴演奏論文范文

優秀的鋼琴作品蘊含著動人的情感，演奏者對作品的演繹過程就是進行二度創作的過程，其中所蘊含的情感也會隨著音樂內容發生變化，因而人體也會發生一系列的生理變化，當然鋼琴演奏者的情感發生變化，必定會影響到呼吸的形態。在鋼琴演奏的實踐過程中，演奏者運用的呼吸節奏、情感表現與作品所詮釋的內容一致時，聽眾所欣賞到的樂曲音響效果是趨于完美的，因此在高校鋼琴音樂教學的過程中要注重對學生演奏呼吸的調控，培養學生在演奏時的呼吸調整意識，盡量在教學的過程中使得學生更好地把作品情感與呼吸融為一體。在授課或者實踐的過程中，當學生的情緒低落時，呼吸就會加深加快，直接影響演奏的效果；還有當演奏的音樂作品出現比較驚懼的樂段時，會讓演奏者緊張，從而使得演奏呼吸中斷，所以在平時的練習過程中就要注意呼吸經驗的積累。比如在演奏莫扎特的音樂作品時，教師要不斷地強調音樂作品中情緒、情感與呼吸狀態的關系，甚至兩個音的小連線的語氣都必須表達出來，讓學生在演奏的過程中深刻地體會到莫扎特作品的細膩性。有時可以讓學生在作品的譜面上做定性符號，固定其演奏的速度、力度等細節因素，使其更加靈活地對音樂作品的情緒與情感多做出正確的處理。

二、鋼琴演奏呼吸與樂句劃分的關系

許多優秀的鋼琴音樂作品，會有十分豐富的情感蘊含其中，當然所要表現的內容也并非單一，在交錯復雜的情感交織中呈現出不同的內容，所以在演奏這些音樂作品時，要不斷地深層次地分析和體驗音樂作品的深層內涵，在挖掘音樂作品內涵的過程中提升演奏水平。在演奏作品前要做―系列的準備，我們要對音樂作品的風格進行分析，對時代背景、創作特點、表現內容、思想意蘊進行全方位的把握，然后對譜面進行樂句、樂段的劃分，根據音樂的特點及其情緒的變化進一步對演奏的呼吸作出調整，要準確地把握呼吸的緩促、強弱，通過正確的呼吸去帶動演奏的情緒，在呼吸變化的過程中進行二度創作，更加準確地反映音樂作品蘊含的深層內蘊。在高校鋼琴音樂教學的過程中，學生的演奏大部分是以自然樂句為氣口，或者在演奏中無意識地隨意呼吸，這樣就使得演奏的音樂作品缺乏生命力，當然也就不能夠對音樂作品進行演奏呼吸的二度創作了，所以教師應該注重學生呼吸方法的掌握，教會學生用心地進行演奏呼吸的二度創作，使得演奏的音樂作品與樂曲所體現的內容吻合。學生要用心體會，要讓自己的演奏呼吸變化與音樂作品樂句的情緒相匹配，教師在學生的演奏過程中要強調樂句末、樂段結束和音樂進行中的呼吸。從學生演奏時的彈奏發音的方法、演奏時發出的聲音到配合呼吸的形體動作等等，都要充分表達音樂作品的內容、情緒、情感，盡可能地做到演奏者的呼吸與聽眾的呼吸協調在一起，讓呼吸的靜態起到“無聲勝有聲”的作用。

三、鋼琴演奏呼吸與演奏速度的關系

第4篇：鋼琴演奏論文范文

鋼琴演奏是以高度技術操作為特性的表演藝術，是動作技巧與心智融合的復雜活動。身體和心智是我們在學習鋼琴中不可忽視兩個方面。本文根據在鋼琴演奏中對于影響身體和心智的更為基礎的對鋼琴演奏產生很大影響的“放松”的要求，通過研究影響身體和心理放松的原因，對分析什么是正確的身體和心理的放松進行探討來說明鋼琴演奏過程中身心放松的重要意義和作用，通過理論研究，只有在鋼琴演奏中做到全部的身體和心理的放松，能更好的提高鋼琴演奏的技巧，才能奏出優美的音色。也只有這樣才能使鋼琴演奏真正達到最高的境界。因此，鋼琴演奏中身心放松是不可忽視的。

關鍵詞：鋼琴演奏；身體放松；心理放松

ABSTRACT

第5篇：鋼琴演奏論文范文

關鍵詞 鋼琴演奏 技巧訓練 音樂表現 辯證關系

中圖分類號：J624.1 文獻標識碼：A DOI：10.16400/j.cnki.kjdks.2015.06.018

The Dialectical Relationship between Skills Training and Music

Performance in the Process of Learning Piano

YANG Liu

（College of Music and Performance， Sichuan University of Arts and Science， Dazhou， Sichuan 635000）

Abstract Piano playing is a highly technical art， to accurately to express music through piano sound， you must have some musical skills; at the same time， rather than focus only music performance skills， the piano is to the existence of artistic value. Therefore， in the piano learning process， must deal with a good relationship skills training and musical performance， it is necessary to strengthen skills training， but also to focus on students of music performance ability， skills and achieve a unified performance.

Key words piano performance; skill training; music performance; dialectical relationship

鋼琴被譽為樂器之王，如今已成為一件遍及全球的世界性樂器。它之所以如此流行，如此被被世界各國人們廣為接受和喜歡，正是由于其美妙多變的音色、豐富的和聲效果，能夠表現出復雜而細膩的情感思想而扣人心弦。無疑，鋼琴藝術既是表演的藝術，更是情感的藝術，演奏鋼琴的目的就是為了表現音樂。但是，鋼琴作為一件精密而復雜的樂器，演奏者要演奏出美妙的聲音，準確表現音樂、傳達豐富的情感，必須要具備一定的演奏技巧才能實現。演奏者要能夠用不同的演奏方法、不同的用力方式與觸鍵技巧，要能強能弱、能快能慢地控制，達到“隨心所欲、琴人合一”的境界，才能實現表現音樂的目的。因此，在鋼琴學習過程中，必須處理好技巧與表現這二者之間相輔相成、相互依存的辯證關系。

1 技巧訓練是鋼琴演奏的基礎

在鋼琴學習過程中，幾乎每一首成熟的鋼琴曲目，都有它自身的力度、速度、音色、奏法等要求，并且往往都有幾個比較難的技術片段。要完成這些作品，就必須具備一定的演奏技巧。因此，鋼琴教師在教學過程中，都會給學生進行一些有意識的技巧訓練。掌握一定的技術技巧是鋼琴演奏的必經之路，正如法國杰出女鋼琴家瑪格麗特朗指出，“技巧就是豐富的表情調色板，可供鋼琴家根據樂曲風格，根據他的靈感而自由調度。”換句話說，具備了一定的技能技巧，在學習一首與其相適應的鋼琴作品時，鋼琴演奏者就能隨時按需運用調取，也就有了更多的注意力來進行音樂表現。沒有一定技巧，音樂表現就是一紙空談。

對手指基本功的技巧訓練往往伴隨著整個鋼琴的學習過程。手指均勻快速、干凈獨立的跑動訓練、手指爆發力的訓練、音階、琶音、雙音、八度、裝飾音等各種音型的訓練都是一些鋼琴教師經常要求學生訓練的課題，這方面的教材也有很多，常用的如《哈農鋼琴練指法》《施密特鋼琴練指法》等。除這些基本的訓練以外，還有一些技能技巧也非常重要，如演奏方法上，所謂三大奏法即斷奏、非連奏、連奏的基本要領是什么，每一種基本奏法下面又可以分為多種情況，怎樣用不同的演奏方法、觸鍵方式來獲得相應的音響效果，都是老師應當給予學生指導并加以訓練的內容。特別是連奏，又稱為歌唱性奏法，不單是要求力度、速度，而是要求它的歌唱性，初學者往往難以理解掌握。再比如雙音與和弦的奏法，既要整齊，又要有層次感。如右手在演奏和弦時，往往會突出高聲部的旋律音，左手在演奏和弦時，往往需要對低聲部的音略加突出。通過這樣的要求和訓練，讓學生逐步達到可以運用自如地控制各個聲部力度層次，為音樂表現打下基礎。

同時，我們也可以利用一些音樂作品的技術難點片段來訓練技能技巧，提高演奏技術能力，如對其中的難點進行專門練習，對其演奏準確性的訓練、聲部層次與音色處理的訓練，手指、手腕、大臂、肩部、身體的協調性訓練等。因為在具體作品中，千變萬化的音列組合帶來鍵盤關系的變化對于訓練我們的技巧有著巨大的作用。這就是著名鋼琴家涅高茲所說的“有多少音樂就有多少技術問題”。通過具體的音樂作品訓練，比單純的基本功訓練要有趣的多，這也是一種訓練方法。有經驗的教師往往會根據學生的具體情況來選擇恰當的作品來訓練學生的技能技巧。機械的手指基本功訓練應當與音樂作品中的技能難點片段訓練結合起來，從而提高學生興趣與技術能力。　2 表現音樂是鋼琴演奏的根本目的

無論是自娛自樂，還是舞臺表演，鋼琴藝術的本質都是要通過演奏來表現音樂從而抒感，表現音樂是鋼琴演奏的根本目的，否則就失去了意義。表演是一種二度創作，必須將感情和理智融入到這種藝術創造行為之中，否則就與非藝術的聲音無異。無論那一個時代、也無論哪一個國家的優秀鋼琴家，都是將作品進行認真研究，在深刻理解原作曲者的創作與表現意圖基礎之上，再融入自己的演奏風格及與思想感情來進行演奏的。

每一首成功的鋼琴作品都是作曲家所處時代與社會以及個人的精神風格的體現。不同體裁、不同情緒風格的音樂作品，需要用不同的聲音、不同的演奏手法來表現音樂。因此鋼琴演奏者要學習一首鋼琴作品不僅要了解作品本身，還要了解更多的相關人文背景、分析作品的體裁、情緒、時代與個人風格等。唯有如此，才能有助于我們正確地詮釋、演奏、表現音樂。例如，在演奏“巴洛克音樂大師”巴赫的作品時，由于他所處時代的鋼琴是管風琴和撥弦古鋼琴，力度變化遠不如現代鋼琴那樣豐富，振動的泛音與共鳴也較現代鋼琴弱，因而其作品常常以斷奏與連奏的對比、波音、回音顫音等裝飾音來豐富作品的表現力。所以，在演奏巴赫的作品時，就要充分考 慮其時代特征，要彈出典雅、淡靜、清晰的聲音，以表現出其音樂風格與特點。再例如浪漫主義時期的一些鋼琴音樂，不再是古典主義時期那樣的共性作曲手法，而是大膽突破，注重個性情感的發揮，善于用幻想與夸張的手法，來表現其思想感情。因此，在演奏這樣的作品時，就應注重其個性風格，充分表現出作者所要表達的意境。

任何一部音樂作品都是作曲家所在特定時代背景下的產物。作曲家利用音樂的特殊語言來述說他們的內心世界，來表現他對當時社會形態的價值取向。他們在創作時，往往也會用一些特殊的手法來表達他的創作意圖，如音符、旋律、結構、和聲、織體、各種力度、速度及表情術語來進行提示。因而，在學習一首作品時，要充分地分析作品、盡量地領會作者的創作意圖，且要認真讀譜，樂譜上的各種表情術語、演奏手法等都要盡量演奏出來，以正確表達作曲家在音樂作品中要表達的心境。演奏者在對作品進行理性分析的基礎上，就能做得心中有數，而讓自己的演奏服從音樂整體表現的需要;只有在內心的對音樂的理解，演奏起來才會進入一種“忘我”的境界，才能真正地去取悅自己、打動聽眾，才是真正地在演奏音樂，而不是枯燥、機械地推砌聲音。

3 技巧訓練與音樂表現的辯證關系

技巧是鋼琴演奏的基礎，音樂表現是鋼琴演奏的目的，二者是相輔相成、相得益彰的，不可偏廢任何一方。良好的鋼琴演奏技術技巧是準確表達作品內容必不可少的手段。沒有一定的演奏基礎與技巧，就難以彈奏出相應的音響效果，更難以表達作者的思想感情。但僅有技巧而不注重音樂表現，那樣演奏出來的聲音是蒼白而無生氣的，無論技巧多么輝煌，也終究不過是一個機械的演奏匠人。有人認為只要內心有了音樂，在演奏時就能促使演奏者去演奏出相應的效果，而不用去刻意訓練演奏技能技巧。筆者認為，這是有失偏頗的。事實上，任何一門藝術，沒有基本技能技巧的掌握是很難表現出音樂的意境的。當具備了一定技巧，在學習一首鋼琴音樂作品時，分析其音樂特性，判斷某個作品或某個鍛煉屬于什么類型，例如它是屬于抒情性、活波性還是寬廣性、激情性等，根據這些音樂特性，采用相應的觸鍵方法、運用力度及聲部層次等方面的變化和對比，結合技術技巧來進行演奏，這樣才能更好地表現音樂。

因此，在鋼琴學習與演奏過程中，無論處于什么程度或階段，都應當將技巧與表現結合起來，根據情感的需要控制聲音的力度、速度與音色變化，不斷調節觸鍵感覺，將聲音轉化為自己獨特的情感體驗，才能深深地打  [本文由wWw. dYLw.neT提供，第 一論 文 網專業寫作教育教學論文和畢業論文以及服務，歡迎光臨DyLw.neT]動聽眾、觸及人心，才能讓演奏者與欣賞者之間產生更多的共鳴并獲得美的享受。教師也要充分發揮主導作用，在幫助學生掌握基本演奏技能技巧時，引導學生注重表現音樂，逐步讓學生學會將自己與音樂融合在一起，讓學生的技巧訓練和音樂表現同步前進，通過這樣的學習來陶冶我們的情操，提高他們的審美能力。這也是我們學習鋼琴演奏的根本目的。

4 結語

總之，我們在鋼琴教學和學習過程中，無論教師還是學生，都要重視技巧訓練和音樂表現這二者之間相輔相成、缺一不可的緊密聯系。我們既要掌握彈奏的基本觸鍵技巧，注重加強力度、速度等技術方面的訓練，又要深刻理解作品的情感內涵，盡可能地表現作曲家的創作意圖，通過正確的演奏來塑造恰當而生動的音樂形象，充分發揮自己的演奏才能，創造性地進行藝術表演。只有這樣，才能實現我們學習鋼琴的根本目的和最高審美追求，才能在鋼琴演奏中逐步達到“琴人合一”，進入真正的藝術境界。

參考文獻

[1] 時江月.鋼琴演奏技巧與音樂表現的平衡[J].藝術教育，2006（2）.

第6篇：鋼琴演奏論文范文

關鍵詞：作曲專業，鋼琴，藝術思維

 

任何樂器都有其自身的長處及短處，而這些長處及短處又形成了這些樂器的特點。它們的特點決定了它們存在的價值與意義，所有樂器都是不可替代的，都有其自身存在的理由。鋼琴是世界上被之稱為“樂器之王”的樂器，因為它具有許多樂器所綜合起來的性能。作為一名作曲專業的學生對于器樂的學習是必不可少的，當然對鋼琴的學習也是必要的。無論在任何一所藝術類院校，作曲專業的學生的鋼琴水平都是僅次于鋼琴演奏專業的。論文參考網。為什么學校會如此重視作曲專業學生學習鋼琴呢？原因有很多。

一、鋼琴自身的重要性。

從鋼琴的特點上來講，鋼琴的音域寬廣，是任何樂器（除少數樂器，如：管風琴外）都無法比擬的，超出了任何其他樂器。鋼琴聲音的強度以及力度變化的幅度巨大，而這些不同的力度都是可以隨鋼琴家隨意演奏出來的。這又使鋼琴勝過了包括管風琴在內的所有單件樂器。同時，鋼琴又是最理想的多聲部樂器。由于鋼琴使用的是十二平均律的原則，是音樂的轉調手法及復調與和聲獲得了極其自由的發展空間。鋼琴可以運用踏板來增加它的表現力，同時還可以在鋼琴上彈奏出無限豐富的不同音的縱向立體組合。雖然也有一些其它的多聲樂器，但它們在樂音組合的多種可能性上，卻遠遠不如鋼琴的表現力。多聲性使音樂從單線條變為多線條，平面變為立體的，單色變為多色的，這就使鋼琴具備了任何單個樂器都無法與其相比的表現力，以及表現無限豐富的藝術內容的可能性。

二、鋼琴演奏的學習對藝術思維起著訓練作用

對于作曲專業的學生學習鋼琴，首先是對其藝術思維起著訓練的作用。作曲作為一門學科，有著自身所必須學習的專業課程，同時也是作曲家們創造學習音樂的過程，學習作曲需要掌握及理解許多音樂思維，從而使自己成為一個有血有肉有靈有悟的藝術家。因為鋼琴音樂本身就像一所音樂學校，學習鋼琴，就如同進入了專門的音樂學校一樣，因為在這里學到的，將不是單一的某一側面的音樂知識，而是要學到構成音樂藝術的所有最主要的基本元素，理解音樂思維所應用的語匯、語言和語法。在這里，有關于旋律的知識、和聲的知識、復調的知識、曲式的知識和音樂史等知識，還有關于音樂形象、音樂內容、音樂意境和音樂風格等音樂美學知識；當然也有這所有的方方面面如何綜合為一個有機整體的知識。論文參考網。作曲專業的學生，可以通過對鋼琴演奏的學習更好的掌握作曲的專業基礎課。事實上，在鋼琴學習中學到的，將不只是鋼琴的演奏，而是全面提高音樂的感受力、理解力和思維力。在這方面提高了，無論對于我們自己彈奏的作品，還是別人演奏的作品、乃至室內樂、交響樂等非鋼琴的音樂作品，都會有更好的理解力和鑒賞力。而這些理解力以及鑒賞力都是作曲專業學生所必需擁有的，這對作曲專業技能的提高有很大的推進作用。

三、鋼琴作品在音樂作品文獻中最為完整

從音樂作品文獻的方面來講，鋼琴作品是最完整也是最成體系的，同時也是數量最多的一種音樂形式。由于鋼琴是最理想的，又是相對較普及的和聲樂器，于是，開始在歐洲，后來在世界各地的專業作曲家們，為鋼琴寫下了數不盡的各種各樣、各式各類的鋼琴獨奏曲。任何一件樂器，都沒有像鋼琴擁有那么多的獨奏曲。在眾多的鋼琴獨奏曲中，包含有巨大數量的屬于人類最杰出創造之列的優秀之作，這是一筆無價的，具有永恒魅力的精神財富。通過對鋼琴作品的演奏以及對鋼琴的改編曲的熟悉彈奏，可以更好的對室內樂作品以及交響樂作品有所了解。從而可以更好的掌握及解決作曲專業方面的技術問題。

四、學習鋼琴演奏可作為學習作曲的一種工具

我們可以把鋼琴當作是學習作曲過程中的一種工具。在傳統作曲課程中，專業基礎課即作曲“四大件”的重要性是不言而喻的，即對和聲、復調、曲式、配器等課程的學習。在前面已經提到過通過學習鋼琴對藝術思維的理解可以了解和聲、復調、曲式、配器等方面的知識。而在學習鋼琴以及演奏鋼琴的時候常常應用到這些方面的知識。

1、和聲學即是研究多聲音樂作品中的縱向思維以及立體結構的因素，它主要是一門關于和弦結構及連接關系的學科。想要表達一部作品的和聲音響，如果只是靠單一旋律的樂器是不可能的，現代科技發達，電腦音樂也逐漸興起，但機器化的東西始終沒有人性化，是不為人們所接受的。如果能夠在鋼琴上演奏是最好不過的，而一名作曲家不能在鋼琴上演奏自己的作品似乎有點差強人意。通過對鋼琴的學習演奏，每天彈奏和聲，在這一點上來講就比其它學生學習及應用和聲方便得多了。從而在學習和聲過程中，能學到更實際的生動的和聲知識。

2、曲式學，是研究音樂作品橫向展開當中的邏輯結構規律的學科，在單聲音樂里，曲式體現為一個單線條音樂，在時間過程中的橫向運動，在多聲音樂里，又有縱向、立體的因素結合進來。學習鋼琴對學習曲式學知識有很大的影響。在我們所彈奏的樂曲中，它們的曲式結構都是非常有規律的，當我們了解了這些基本規律時，就會更清楚音樂過程中的邏輯，就便于從全局、整體上對樂曲的把握，從而更好的對音樂作品進行分析。

3、復調音樂是指兩個或兩個以上各具相對獨立意義的旋律的同時進行。對于復調音樂的學習，在作曲的課程中是十分重要的。在巴洛克時代，復調音樂是主要的音樂思維形式。那時代的巴赫是最偉大的復調音樂作曲家，直到今天仍被公認是最高典范，可以說，沒有任何一位大作曲家是不掌握復調技術的，在鋼琴作品中，巴赫的十二平均律也是最為著名的，被稱為是音樂圣經中的舊約篇，在學習演奏的同時也可以更好的掌握復調技法。

4、管弦樂配器法在學習作曲專業方面是非常重要的，然而學習管弦樂寫作與學習鋼琴又是密不可分的，在總譜讀法中，我們會不停的運用到鋼琴，作為我們的輔助工具。幾乎所有的管弦樂總譜都有鋼琴縮譜，而所有的鋼琴作品都可以改編成管弦樂總譜，可想而知這對學習作曲的學生是一件多么重要的事情。

五、學習鋼琴可以更好的了解作品中的音樂風格

音樂風格是指音樂作品在表現音樂內容的方式、形式、方法方面的總的特征。無論是在時間、地域及民族上都有所劃分。每一個偉大的作曲家都有其個人及個人不同時期的音樂風格，比如，莫扎特、貝多芬、肖邦、李斯特等，他們的風格以及每個人不同時期的作品風格都不相同，作為一名作曲專業的學生掌握音樂風格是非常必要的，然而最好掌握這些風格的方式就是學習及演奏他們的鋼琴作品，通過演奏來掌握積累一些關于欣賞方面的經驗，從巴洛克時期開始，巴赫、亨德爾、斯卡拉蒂等人就寫了大量的鍵盤音樂，而到了古典主義時期，海頓、莫扎特、貝多芬又為鋼琴寫出了大量的作品，以貝多芬的奏鳴曲尤為著名，曾被稱為是音樂圣經中的新約篇。到了浪漫主義時期，肖邦被稱為是“鋼琴詩人”，他的創作幾乎全部都是為鋼琴而寫的，像肖邦這樣將全部生涯獻給鋼琴創作的音樂大師是獨一無二的。在他的音樂中無數次的和聲融匯和半音體系微妙的轉折，都是當時的單件樂器所無能為力的，因此對肖邦說來，只有這件被稱為“萬能樂器”的鋼琴才能最好的表達他的思想，使他對于和聲、旋律、織體、裝飾音等各方面進行革新的理想付諸實現。同樣，對于作曲專業的學生，鋼琴寫作同演奏是同等重要的，想要表達一首作品的內涵，最好的就是作者自身的演奏。

總結

作曲專業的學生，在上專業課的時候常常會聽到指導教師講，如果下去可以自己彈一下就好了。論文參考網。或許這就是作曲專業的學生學習鋼琴的必要性吧，只有自己掌握了鋼琴演奏的基本技巧，才能在有新的作品時，從各個方面及角度去欣賞及分析。而那些歷史上著名的作曲家們，如：貝多芬、肖邦、李斯特，無一例外都具有很高的鋼琴演奏水平。雖然作曲家不一定必須會演奏鋼琴，但對于作曲專業的學生來講，會彈一手好的鋼琴就會有如虎添翼般的感覺。

收稿時間：2009-12-18

參考文獻

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[5] 辛豐年 著《鋼琴文化三百年》 北京北京三聯書店1995

[6] 趙曉生 著《傳統作曲技法》 上海教育出版社2003.7

第7篇：鋼琴演奏論文范文

關鍵詞：鋼琴練習曲；古典主義；浪漫主義

“練習曲”是專門練習某一方面的器樂演奏技巧而設計的樂曲。“鋼琴練習曲”顧名思義，是作曲家為學生練習鋼琴演奏的技巧而創作的樂曲。它是鋼琴音樂作品中極為重要的一個部分。從鋼琴練習曲自身的發展來看，它緊緊跟隨時代的潮流，從巴洛克時期、浪漫時期、晚期浪漫派、新古典主義、印象派直至近現代。由于不同時期藝術風格的不同，鋼琴練習曲在內容與形式上又表現為不同的側重點。本論文以古典主義時期和浪漫主義時期作曲家創作的有代表性的鋼琴練習曲為切入點，在西方音樂發展史的背景脈絡之下，通過對其音樂語言的共性與個性進行整理與分析，初步探討了這一題材的變化與發展。

1 古典主義時期的鋼琴練習曲

18世紀中葉到19世紀中葉，是古典派音樂形成和發展時期，音樂作品中出現了新的鋼琴技術特征：大小調體系已得到充分發展，主調織體占據重要地位，雙音、八度、音階、琶音的快速跑動，遠距離的跳奏等等，而這時的音樂家們大都身兼作曲家、演奏家、教育家等多重身份，這種傳統直到浪漫時期才有改變。這一時期的作曲家主要有克萊門蒂、克拉莫、車爾尼、莫舍萊斯等。

1.1 穆齊奧?克萊門蒂（1752一1832）

克萊門蒂，意大利作曲家與鋼琴家，他的演奏在當時被評論為“富于藝術性的”，同時，他也是鋼琴藝術史上最早研究鋼琴特性和鋼琴功能而進行創作的作曲家。克萊門蒂于1817年創作的《樂藝津梁》（又名《名手之道》）涵蓋了鋼琴技巧的各個方面，是現代鋼琴演奏技藝的基礎。《樂藝津梁》是克萊門蒂編寫的鋼琴練習曲集中最有技術訓練價值的教本之一，其中每一首都為訓練手指靈活而作、都有明確的練習目的，如：解決手指獨立性、訓練拇指內轉、斷奏與連奏等。作為教育家，他不僅培養了許多優秀的鋼琴演奏家和教育家，而且還總結出一套鋼琴藝術的教學方法。他的得意門生中有克拉莫、菲爾德、卡克布蘭納等，他們后來都成為著名的鋼琴家，并在練習曲領域做出了開拓性的貢獻。

1.2 約翰?巴普蒂斯特?克拉莫（1771一1855）

德國作曲家克拉莫，他是克萊門蒂最得意的學生，他像他的老師一樣，既是鋼琴家，又是作曲家和出版商。他的作品并不專注于展露彈奏鋼琴的靈活性，而是更多致力于培養練習者掌握細致優雅的音樂風格。克拉莫的鋼琴練習曲集，起初有84首，后由德國鋼琴教育家彪洛從中精選出60首，編定成書，取名《克拉莫鋼琴練習曲60首》，1812年出版發行，使用至今。他的練習曲內容豐富多樣，訓練手法靈活多變，注重手指的獨立性和指力、清晰、均勻、明凈的聲音。克拉莫練習曲將明確的技術課題與豐富多彩的音樂表現結合起來，每首都體現出作曲家的獨具匠心。克拉莫的練習曲集自出版以來，已被一代又一代的鋼琴家、教師、學生所沿用，它不僅在鋼琴發展的歷史長河中發揮了積極作用，而且在現代和將來的鋼琴教學中也會給予我們很多的幫助。實踐證明，它是一本很有價值的技術教程。

1.3 卡爾?車爾尼（1791一1857）

奧地利作曲家車爾尼，他創作了大量的鋼琴練習曲，有據可查的就有80冊，數量之多，訓練技術之全面在當時以及后來都是獨一無二的，其中包括了古典時期全部的鋼琴演奏技巧，為演奏同時代及前一時期的鋼琴作品提供了有力的技術支持。車爾尼共創作80集練習曲，千余首練習曲。應用最廣泛的Op.599、Op.849、Op.299、Op.740。這四冊練習曲中的技術類型幾乎是一脈相承的，技術種類由少到多，練習曲由易到難，練習曲側面也不盡相同。車爾尼80余集練習曲，大致可歸納為兩類。一類是每日基本功訓練用的“練習”，如作品Op.261、Op.337、Op.737、Op.777、Op.802、Op.820、Op.821和Op.848等，另一類則是數量眾多的“練習曲”，每集均有一個訓練目標明確的標題，如“快速練習曲”、“表情練習曲”、“連奏與斷奏練習曲”、“裝飾音練習曲”、“華麗練習曲”、“小手用練習曲”、“三度練習曲”、“少年練習曲”、“演奏家練習曲”等。這些練習曲是車爾尼以自己豐富的教學經驗并付出了畢生經歷寫成，奉獻給后人的一筆無價之寶，它已經有力的開啟了幾代鋼琴家們的智慧和潛能，在今后的鋼琴教學中仍將發揮不可取代的作用。

2 浪漫主義時期的鋼琴練習曲

19世紀中葉，文學藝術中的浪漫主義思潮席卷歐洲大陸，崇尚自由，體現個性，注重思想情感的表達。鋼琴成了作曲家追求個性化、情感化創作的最便捷的表現工具，肖邦和李斯特就是其中的代表。

2.1 弗雷德列克?肖邦（1810一1849）

鋼琴詩人肖邦，波蘭人。在鋼琴藝術史上，肖邦使得練習曲這一以技術性為特征的體裁變成了真正的藝術性作品。肖邦的練習曲中的音樂內容遠重于技術的表現，除了同樣的手指的獨立、靈巧、均勻，及各類技巧的均衡和協調，指觸的細膩，聲音的透明，音色的敏銳變化，織體層次的清晰，完全的歌唱性連奏，悠長的氣息感等等這些，構成了肖邦藝術性練習曲區別于車爾尼式技術性練習曲的重要標志。肖邦的練習曲共分三部分：1828至1833年創作的十二首（0p.10）；1833年1837年創作的十二首（0p.25）；及1840年寫的f小調、bD大調、bA大調三首。在，1833年之前所寫的練習曲中，比較有價值的是作品第10號第3首（E大調）、第9首（e小調）、第12首（c小調）等.1833年之后的練習曲中，比較優秀的則有作品第25號第1首（bA大調）、第5首（d小調）、第11首（a小調）、第12首（c小調）等。在上述作品中，肖邦注入了自己深厚的情感和奔放的熱情。這些樂曲的內容，大部分都與肖邦的愛國主義激情，對祖國淪亡的悲痛感觸相聯系。肖邦練習曲概括了他整個鋼琴音樂中的特點：豐富多彩的和聲，情意綿綿的旋律，以及充滿內在的生命力。而更值得注意的是這些練習曲都是他在年輕時代的作品，Op.10的十二首練習曲是肖邦十九歲至二十四歲期間創作的，幾乎在同一時期，他也完成了另外十二首練習曲Op.25的寫作。他的練習曲已不僅僅為了解決各種技巧問題，更重要的是讓人們從中學習如何去表現音樂。

2.2 弗朗茲?李斯特（1811一1886）

匈牙利鋼琴家、作曲家、評論家兼指揮家，被喻為“鋼琴之王”。李斯特的創作是和他的鋼琴演奏藝術密切聯系的。他的鋼琴作品的風格和他的鋼琴演奏風格密不可分，即熱情，宏偉的氣勢而又具有富于詩意性的描繪。李斯寫了兩套音樂會練習曲，1848年寫的《三首音樂會練習曲》和1861年寫的《兩首音樂會練習曲》，十二首超級練習曲、六首帕格尼尼練習曲等。這些作品不僅具有高難度的技巧，其中的不少作品還被作曲家賦予了充滿詩意的標題，如“森林呼嘯”、“嘆息”、“侏儒輪舞”、“鬼火”、“狩獵”，等等。這也正是浪漫時期標題音樂的典型特征。從李斯特的其他練習曲也可以看到他的練習曲不只是專為克服鋼琴的技術困難服務的，而是為了用最有效的表現方法來表達一定內容的。

總之，鋼琴練習曲的歷史演變過程，客觀地表現了音樂自身的審美特性。隨著練習曲由古典時期主義發展到浪漫主義時期，音樂所附著的客觀因素越來越少，相反，它所體現的情感內容卻越來越豐富，主觀審美意象也越來越立體化。作為一種特殊類型的鋼琴作品，練習曲有其特有的價值和意義。深入認識這一點，將會更好的發揮練習曲的特殊作用。

參考文獻：

[1] 張式谷，潘一飛.西方鋼琴音樂概論[M].人民音樂出版社，2006.

第8篇：鋼琴演奏論文范文

論文摘要：中結合高等職業院校音樂教育的培養目標，對高職鋼琴課教學結構進行一定的改革和拓展。以鋼琴基礎技能技巧的學習為主線，適當開設鋼琴理論課是非常有必要的。文章通過對高等職業院校鋼琴理論課在音樂教育中的重要性進行論述，并提出建設性的意見，同時呼吁更多的人士對此給予關注和研究。

一 開設鋼琴理論課的重要性

高職教育歷來以培養技術應用性人才為主要目標，對于高等職業院校鋼琴課來說，培養學生掌握實用的鋼琴技能技巧非常重要。但是，如果我們在教學實踐中只注重培養鍵盤的實際操作能力、注重傳授傳統單一技能，而忽視了音樂基本素質的提高，那將有悖于我們的初衷。現代高等職業院校的培養目標是：培養出更適應社會需要的具有綜合能力、綜合素質的人才。如何讓高等職業院校鋼琴教學從傳統單一技能訓練轉向更適應社會需要的綜合能力的素質教育，是當前教育改革實驗中的重要課題之一。調整相應的教學結構，探索新的鋼琴教學模式勢在必行。

高職院校音樂教育是對我國高職學生乃至全社會藝術教育有效的、迫切的、必要的補缺式教育。音樂教育專業中鋼琴課又是一門重要必修基礎課程和技巧課，在教學整體安排上占有重要地位。高等職業院校鋼琴教學是音樂教育的基礎和靈魂，學生掌握好彈奏鋼琴的基本技能技巧對于以后勝任工作崗位尤為重要，要實現這一目標就必須在“課程設置、課程內容、課程結構”等方面取得突破性的進展。鋼琴教學結構的改革絕非單純的上課形式的變化，鋼琴教學法理論課應該是傳統鋼琴教學與現代科學技術相結合而發展起來的一門新的學習課程，學生在學習鋼琴實際演奏技能的同時，也要對高等職業院校鋼琴教學法系統理論知識進行學習。高等職業院校鋼琴理論課程的設置是現代音樂教育在思想上、方法上的一個突破，使學生鋼琴演奏技能與音樂綜合能力全面提高。

二 開設鋼琴理論課的可行性

高職院校鋼琴必修課的目標不是培養專業的鋼琴演奏家，而是把鋼琴作為其他專業課程學習和日后教學工作的必要教學手段和重要輔助工具。鋼琴理論課教學在高等職業院校鋼琴基礎課培養目標的定位上更為合理，對學生綜合音樂素質和實際工作能力的培養也更為有利。從高職院校鋼琴課教學目標出發，如何使學生在有限的學習過程中對鋼琴技巧和鋼琴藝術有一個全面的了解和掌握，開設鋼琴理論課是行之有效的方法。這樣學生不僅在鋼琴技巧課上能學到鋼琴技巧的實際操作，而且可以在理論課上學到如何教學的理論知識，使教與學、知與行互為補充，互為完善，為畢業后完滿勝任工作奠定理論方面與技巧方面的基礎。鋼琴理論課改變了鋼琴技巧課純技術操作的枯燥形式，而運用多媒體、圖文并茂的形式，再加上妙趣橫生的音樂故事以及波瀾壯闊的鋼琴音樂篇章，更能激發學生學習鋼琴的熱情，提高了學生學習鋼琴的積極性與主動性。高職院校學生進校時雖然大多對鋼琴知之甚少，但是對鋼琴的學習卻有著極大的興趣，然而面對鋼琴抽象的觸鍵感覺、不同的技巧手法以及浩繁的作品文獻，僅在鋼琴技巧課上解決這些問題是缺乏系統性的，久而久之學生學習鋼琴很容易失去自我把握的準確性，失去認識對實踐的正確指導，逐漸產生對鋼琴既喜歡又害怕的心理。通過開設鋼琴理論課，將有可能解決這一問題，學生不僅找到了學習鋼琴的方法，而且還能用理論去指導實踐，同時也能用實踐驗證理論。因此，從培養學生學習能力出發，開設鋼琴理論課是可行的。

三 高職院校開設鋼琴理論課的具體實施辦法

1．學習鋼琴技能與舞臺表演

高職院校鋼琴學生在入校時存在著兩個普遍的突出的問題：一是彈奏水平參差不齊，程度差別大；二是彈奏方法不規范，從而導致教學任務難以完成。因此，在教學過程中一定要從最基礎的演奏技能開始對學生進行理論上的講解和實際彈奏的訓練，如怎樣觸鍵等，加強最基礎的入門動作訓練，才能為以后學生規范的彈奏打好基礎。重視基本功的規范性教育要貫穿于整個鋼琴教學法課程的始終，并隨著課程的不斷推進，逐步深化學生對鋼琴彈奏基本技巧的理性和感性認識。

高等職業教育院校的鋼琴課程不僅要求學生進行基礎鋼琴的學習，還強調對學生進行一定的藝術實踐訓練，從而促進理論與實踐的有機結合。學生在學校所學到的琴法技能以及相對應的理論知識，必須通過藝術實踐才能達到感性與理論的統一。可以適當運用一些如表演、技能競賽、藝術演出、實習等形式，來提高學生的實踐能力，讓學生在相互觀摩中學習，在藝術展示中進步。

2．教材及教學內容的選擇

教材和教學內容需進行一定的選擇和科學地運用。教師應指導學生針對不同水平不同層次做出相應的教材選擇，并根據學生的個體差異為其量身定制更科學有效的練習方法，使學生在教學過程中有據可依，教學雙方都能更加輕松地完成教學任務。教材選擇講求循序漸進、由淺入深。教材選擇應以《高等職業院校鋼琴教程》為主，輔以其他各類教材。初級學生在學習練習曲時，通常選用如車爾尼系列、《哈農鋼琴練指法》等，而中級程度的學生，除了選擇相適應的教學內容外，還應注重選擇風格多樣的作品讓學生了解，進一步擴大知識面；程度較高的學生可以廣泛接觸學習更多的作品，并且通過實際的學習體驗提高其理解處理作品的能力。

鋼琴課在教學內容上除了通常的鋼琴基礎及技能的學習之外，還應適當增加一些視奏、即興演奏、即興伴奏等學習內容。教學中，在注重提高彈奏技術的同時，應適當增加合作性曲目，使學生迅速熟悉鍵盤，并盡快掌握24個大小調及各類伴奏音型特點，逐步發展編配伴奏等實用技術能力，這樣才能使學生通過學習，掌握一定的基礎鍵盤技術水平和實用伴奏教學能力。

3．學習和認識鋼琴的構造與發展史

在理論課教學時，教師可以首先從鋼琴的起源發展開始講解——鋼琴雖然誕生在意大利，卻是在德奧和英國得以發展和成長，在它誕生的頭一個世紀中經歷多次改良，隨著時代變遷，聲音尖銳古板、缺乏生機的撥弦古鋼琴被音響豐富、細膩洪亮的鋼琴所代替，到18世紀后期，鋼琴的魅力全面展現，進入19世紀，鋼琴更是登上“樂器之王”的寶座……可讓學生了解鋼琴這種樂器本身的構造、特性及其發展過程，然后再介紹每個時期、每種風格流派的鋼琴作品所具備的時代特征。通過對鋼琴發聲原理的學習可以引導學生從一開始就重視培養聽力，而對鋼琴發展史的了解可以培養學生對鋼琴學習的興趣，增強其學習欲望。介紹與鋼琴音樂相關的一系列鋼琴音樂史知識，從音樂史的角度分析具體作品的歷史、時代背景以及這個時代的鋼琴演奏風格是鋼琴集體理論課的重要內容之一。在此階段教學內容應輔以大量的圖文資料和示范活動，進一步促進師生之間的教學交流，形成良好的教學氛圍。

4．加強識譜能力訓練

在了解鋼琴這一樂器的發展和發聲特性以后，還應該利用鋼琴理論課對識譜這一重要環節對學生進行全面的引導。教師可以帶領學生對不同范例的樂譜進行由淺入深地分析，讓學生明白這些標注是作曲家對作品的最佳解釋，從而更準確深入地讀懂這些符號和標記。具體操作時可從最初的識譜的基本要素開始，例如音準、節奏、指法等等，這些內容往往都是在譜面上有明確標記，在識譜時一定要忠實于作曲家的原始意圖。但有時候在譜面上我們無法一眼看出這個音要用斷奏、連奏還是跳奏，這時就必須通過承上啟下或者是對作品及作曲家風格的了解和分析才能做到準確演奏。識譜能力的提高還包括讀懂樂譜中力度標記、速度標記、音樂表情術語、裝飾音、踏板講解和運用等，只有讓學生全面、正確、深入的識譜，才能更準確的領會作品內容，達到學習作品的目的，從而全面提升學生的鋼琴彈奏素養。

5．學習一定的鋼琴教學教法

在鋼琴理論課教學中每學期都應安排適量的教學實習實踐課，并讓學生掌握一些鋼琴的教學教法，同時讓學生進行實際操作的鍛煉，讓學生們在其相互教學過程中掌握鋼琴教學方法和培養實際教學能力。做到理論與實踐結合，才能適應千變萬化的現代音樂教育工作需求。

鋼琴演奏基本技能是貫穿鋼琴綜合能力訓練的教學主線，而鋼琴教學法理論課是讓學生在有限的時間內掌握更多作品，積累更多鋼琴教學實戰經驗的最有效手段，也是教學工作獲得更大成果的有力保障，可以在一定程度上調動學生學習鋼琴的主動性和積極性。

應該說鋼琴理論課教學不是某種單一的技能課程，而是一門新興的綜合性課程，要求教師具有多學科的理論文化知識，具有極強的示范演奏能力、良好的心態以及引導學生展開討論的能力。目前鋼琴理論課教學還沒有一部完整、系統的教材來指導教學，尚處于初級探索階段，因此還需更多的高職鋼琴教育者對此進行深入的研究和探討。

參考文獻

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第9篇：鋼琴演奏論文范文

[論文摘要]通過鋼琴豐富的音色表現力和音色特點，闡述如何表現、如何改變音色的方法，分析改變音色的演奏技巧。

音色是由發音體的性質、形態以及其產生泛音數目的不同而呈現出的不同聲音，即音的色彩和特征。優美的音色是音樂表演者必須持續不斷追求的目標。只有演奏出優美的音色才能打動聽眾的心，實現音樂感人肺腑之功能。著名鋼琴教育家涅高茲說“鋼琴的藝術也是聲音的藝術，通過彈奏音色的變化產生的音響可以表現出憤怒的狂號、疾風驟雨、雄偉悲壯、奔騰豪放、果斷剛烈等強烈的情感，也可以表達低聲傾訴、喃喃細語、安慰、、嘆息、抽泣、甜蜜、微笑、幸福、愛情等內心的復雜情感，也可以表達空谷回聲、黃昏鐘聲、高山流水、粼粼水波等大自然的奇觀美景以及陽光、月色、云彩、微風等看得見摸不著的物體。總之，所有稱之為音樂的東西都可以在鋼琴上彈奏出來，而音色的變化使音樂的表現具有廣闊的想象空間和表現范圍。

一、鋼琴獨特的音色美

在遼闊的音樂世界，樂器的品種類別數以千百，但人們卻對鋼琴情有獨鐘，那是因為鋼琴本身所具有的獨特性能和審美價值。鋼琴的氣勢宏大，沒有哪件樂器可以與之相比。它既有遼亮輝煌的音響，又有絢麗多彩極具豐富的音色。鋼琴音域廣達6-7個八度，力度變化從最弱到最強，體現了大幅度、多層次音響特征，其豐富的表現力可以與一個交響樂隊媲美。通過彈奏等技術處理又可以使音樂變化多彩……鋼琴這種樂器在筆者的印象中是最理智的，彈奏時腦海里總是浮現各種更感性的、更具體的聲音形象，包括人聲和世界上所有樂器所表現出來的各種各樣的色彩。因此鋼琴演奏者不需要任何人的幫助，一個人就可以單獨在鋼琴上塑造出絕對完整的形象，創造出某種完整和完美的鋼琴作品。

鋼琴有它獨特的音色美，有它的“自我”，無法與其他東西混淆。我們應當了解并喜愛鋼琴獨特的“自我”，從而徹底理解它、掌握它。音色美給人以官能上的，這種源于物理屬性的生理反應，是一種初級的靈感。但從鍵盤上流淌出來的音樂,卻蘊涵著豐富的音樂美的內涵，這種有旋律、和聲、調式、調性、肢體、曲式、速度、力度等音樂表現要素交織在一起所構成的音響美，不僅給人以情緒的感染和精神的愉悅，而且還具有一定的啟迪智慧、完善品格的效應。只有當你在鋼琴上彈出不可能的東西時，你才能彈出鋼琴上一切可能表現的東西。心理學家認為，概念、想象、愿望是可以跑在實際的東西前面的。貝多芬耳聾后創作了他聽不見的鋼琴音響并且預示了鋼琴在數十年后的發展。作曲家的創作精神為鋼琴音響探索出了新的規律，而鋼琴就逐漸地適應了這些規律。

從鋼琴彈奏的原理上看，鋼琴是鍵盤樂器，是通過琴槌擊弦發出聲音的，因此顆粒性聲音是鋼琴的特色和所長。彈跳音、彈連奏就特別能顯示鋼琴的優勢。在彈奏運指的同時，自肩起貫通至臂腕部，力量從上至下，無阻隔的傳遞到指間，這需要學生上部身軀各個部位能夠相互協調并運用自如。尤其是臂腕部盡量放松，整體投入、上通下點、手指站立，這樣所發出的音響通透亮麗，松弛而有彈性，富有光澤。在節奏旋律上有脈動感，有活力，更有清澈的顆粒性。所謂“大珠小珠落玉盤”就是鋼琴效果的精妙寫照。要訓練好手指，使其獨立、主動、靈活；使彈奏的聲音清晰、流暢、均勻。這對展現出鋼琴所長是關鍵性的步驟。

二、正確的觸鍵方式是獲得良好音色的前提

一些業余鋼琴愛好者，他們有良好的鋼琴演奏技能，但由于他們只知道觸感是演奏藝術完美的保證，而忽略了觸鍵方式，致使強奏時聲音生硬、死板，弱奏時聲音“虛”。因此在技術方面，要彈出“好聽的”聲音，必須具備非常靈活柔順的雙手（但不是軟弱無力）和“放松的重量”，即從肩部和背部起，直到接觸鍵盤的指尖（全部的準確性都集中在指尖）為止，整個手臂都是放松的；還必須有把握地、合理地控制這種重量，從彈疾速輕巧的音所要求的飛掠而過的觸鍵起，到彈宏大的音量而用大力度用力彈鍵為止，都必須如此。

好聽的聲音是不同力度、各種時值聲音的相互結合、相互對比、極為復雜的過程。聲音練習只有在練習作品、練習音樂及其基本要素的時候才是實際有效的。而這種練習也不能和一般的技術練習分割開來。

鋼琴上的音不能像別的樂器上的音那樣延續，所以為了清楚地表達所演奏樂曲的音調，不但旋律線條的強弱變化，就連經過句的強弱變化也應當比別的樂器更豐富更靈活。當然，也有要求其平均的、沒有強弱變化聲音的地方。

根據查閱的相關國內外資料可知，為提高鋼琴演奏的音色,我們可從以下幾方面著手:

1.改變手指的觸鍵部位

從用指尖觸鍵到用指面部位觸鍵,每一變化層次都可以產生細微的音色變化,因為手指越立起,琴鍵受力越直接,音色越明亮。而指面平坦會形成一種受力的緩沖,從而對音質產生影響,使聲音柔潤。

2.改變手指的觸鍵高度

提高手指觸鍵對下鍵的速度有重要作用,如要得到明亮的顆粒性聲音,常需手指的提高。而對聲音柔美的連奏則不需提高手指,要求以平穩的貼鍵方式觸鍵。

3.改變手指的觸鍵速度

緩慢的觸鍵速度是創造柔和歌唱性聲音的關鍵因素。一方面觸鍵速度影響著聲音的強弱,觸鍵速度越快聲音越強,反之則越弱。另一方面,觸鍵速度還影響著聲音的明暗、剛柔等。

4.改變手指第一關節或第三關節的牢度

從第一、第三關節較柔順到較堅挺可以改變手指傳力的支撐強度,也可以使音色產生變化。

5.改變指尖的堅度

從相對放松的指尖到相對牢固的指尖,每一層變化也都可以改變鍵盤動作速度和擊弦速度,對聲音的變化產生影響。

6.改變觸鍵的用力形式

鋼琴觸鍵的用力形式一般包括:垂直方向用力和水平方向用力。像連貫柔和的連奏就需要以水平方向的用力形式觸鍵,這種方式可以使琴鍵以一種緩沖的方式受力。

通過上述幾條練習，掌握正確的觸鍵方式并養成良好的彈奏習慣，就可以減少肌肉的動作，輕松自如的演奏出正確美妙的聲音。

三、良好的音色的獲得與踏板的運用有直接的關系

世界著名的鋼琴大師安東·魯賓什坦有一句名言：“踏板是鋼琴的靈魂”。它為豐富鋼琴的演奏音色與和聲起到了非凡的作用。在鋼琴音樂中，踏板雖然不是作為單獨的技術而存在，但是它是作為對音響與音色的最高境界的追求而存在的。不論是水平粗淺的初學者，還是蜚聲海內的鋼琴大家，在演奏中無一不會不使用到踏板，所以演奏者演奏時應正確運用踏板，力圖去感受和聲，這樣才能彈奏出好的效果來，使音樂達到最完美的境界。踏板是具有魔法般的調色板，觸鍵的好幫手，踏板的用法是綜合性，并是多種多樣的，但也是非常有個性的，要根據演奏的變化而變化，自成風格，并沒有相同的用法。即使是同一個人的演奏，每一遍都會略有不同，要根據音樂的表現，用嚴格的、敏銳的聽覺確定踏板的運用。當然踏板的運用還會受作品藝術風格的影響，不同音樂時期、不同風格、不同作曲家使用踏板的要求都是不同的，彈奏巴洛克時期和古典音樂時期的作品時，踏板要少用些，而演奏浪漫派以后的作品時，踏板可適當的多用些；同一個和弦，在低音區踩得要少些，在高音區踩得要多些；琶音上行可多踩些踏板，下行時稍微要少踩些；還用就是在練習曲中可少用或不用，以保證每個音的清晰……根據演奏場地的音響條件也要調整踏板的運用；不同品牌的鋼琴性能不同，踏板的運用也會不同；要隨著演奏者演奏瞬間情緒的變化而變化踏板的用法。延音踏板可以產生連貫濃厚的聲音；弱音踏板則可創造出朦朧、纖細的效果；而踏板踩動的深度對音色也會產生不同的音響；抖動踏板又可獲得洪亮且不混濁的強奏音色。當然這一切都必須以“傾聽我們的演奏為前提”，它是“使用踏板的堅固基石”。

綜上所述，對演奏實踐進行理論性研究，闡述理論性原則，應該說比彈奏容易得多；掌握演奏技巧，用每一項技術手段創造豐富的鋼琴音色變化卻不是一件容易的事。在當今日新月異、高速發展的高科技時代，鋼琴演奏技術也不斷地向更高層次發展。在鋼琴演奏中，要獲得優美的音色除了掌握基本原則和方法以外，還要了解不同時期、不同作曲家作品的不同音色及觸鍵要求等原理，在掌握一定鋼琴演奏的技術手段外，還要根據對音樂的理解和音響效果的需要，靈活地運用踏板，不斷練習，不斷琢磨，才能創造出變化無窮、氣象萬千、令人心醉神迷的藝術世界。

參考文獻：